Les paysages en mouvement de Claire Cailly

J’aime visiter les musées, tous les musées, quel que soit le thème des collections, d’art, d’histoire ou autres. J’apprécie tout particulièrement les expositions temporaires qui présentent une rétrospective ou qui développent un angle de vue. Je visite souvent seule ou avec une personne qui saura m’attendre, car je visite lentement. J’aime le calme des musées. Je lis tous les cartels. Je flâne et je prends mon temps. C’est une forme de curiosité éclectique. Tout m’intéresse et tout stimule ma créativité. Au début des années 90, une grande exposition rétrospective consacrée au peintre tchèque František Kupka a eu lieu au Musée d’art moderne de la ville de Paris. L’exposition s’intitulait : « František Kupka 1871-1957 ou l’invention d’une abstraction ». La présentation chronologique retraçait l’évolution de l’œuvre du peintre, de sa période symboliste à des études et peintures abstraites constituées de rapports de proportions et de plans. J’ai toujours été sensible à l’art abstrait sans comprendre son origine. Enfant, je me demandais qui pouvait bien avoir eu l’idée de cette abstraction. Ce fut une grande découverte de suivre les bouleversements de l’expression du peintre, étape par étape, selon une logique de questionnement et une intensité de recherche. Ainsi, l’apparition de l’abstraction était une continuité. J’ai été très émue de cette découverte et transportée par la force de l’œuvre de Kupka.

Raconter ce souvenir me trouble aujourd’hui car je réalise à quel point l’envie d’être peintre était déjà présente en moi à cette époque. Je regrette de ne pas avoir su me saisir de ces émotions comme d’un signal de ma personnalité profonde. Par manque de confiance en moi, j’ai repoussé la réalisation et l’affirmation d’un devenir artistique. C’est pourquoi désormais je suis dans l’urgence créative. Aujourd’hui peindre et partager ma peinture avec un public est une priorité absolue dans ma vie. Passer du temps à l’atelier et rechercher les opportunités pour exposer mon travail me rend vraiment heureuse. En développant mon activité artistique j’ai le sentiment d’être totalement à ma place. Les retours du public sont positifs et enthousiastes, ce qui me conforte dans mon projet artistique.

C’est une question difficile. Je vis au présent et je n’ai pas tellement envie de me pencher sur mes productions passées. Il faut dire aussi que mon parcours est récent. Ce qui m’intéresse le plus c’est de cheminer d’une œuvre à l’autre, d’éprouver les progrès, les idées nouvelles. C’est pourquoi, pour répondre à cette question, je choisis un petit collage réalisé il y a quelques semaines et dont la base est un fragment de sopalin récupéré à l’atelier. J’ai essuyé avec ce sopalin des restes de couleurs sur ma palette et, au lieu de le jeter, je l’ai fait sécher pour ses qualités de texture. J’ai réemployé ce morceau de sopalin avec d’autres papiers recouverts de différentes traces de peintures.

C’est un collage tout simple mais émouvant qui représente un paysage de marais. Avec quelques éclats de couleur, je trouve qu’il exprime tout à fait le miroitement des lumières, la rencontre du sec et de l’humide, le lointain. Je le trouve très réussi. Pour moi il correspond à un moment sincère. Il « raconte » une émotion ressentie lors d’une promenade au marais du Syl près de Lavau-sur-Loire. Ce collage montre aussi que l’on peut créer avec pas grand-chose, avec quelques fragments de papiers assemblés.

Le public me dit souvent que les couleurs fortes de mes tableaux transmettent de la joie, de l’énergie. J’aimerais que mes œuvres aient la capacité d’apaiser, d’ouvrir l’esprit, d’émouvoir profondément. Que mes tableaux adoucissent le quotidien de ceux qui les choisissent, qu’ils soient comme des talismans dans les maisons qui les accueillent. Mon art est simple, j’aimerais que cette simplicité soit communicante. Je crée des « images sensorielles » qui pourraient être supports de rêverie, de méditation. Certaines formes d’art permettent de se connecter avec son intimité dans une relation personnelle aux œuvres qui touche notre cœur et notre esprit. Cela nous transforme et peut apporter du réconfort. Lorsque l’on est en paix avec soi-même, on peut alors s’ouvrir aux autres.

Dans un monde consumériste, posséder une œuvre d’art, ce n’est pas accumuler un objet de plus pour remplir son espace de vie. J’aimerais que mes œuvres soient une invitation à faire de la place, à créer une respiration. J’aimerais à la fois que mes œuvres appellent le silence. Mais j’aimerais aussi qu’elles aient le pouvoir de générer des mots, des échanges. Que mes œuvres soient supports d’écriture et de narration, qu’elles stimulent la créativité des auteurs.

Thierry Martenon sculpte le bois de manière virtuose. J’admire son travail. Ses œuvres possèdent une sorte d’évidence et expriment une grande pureté. À première vue, son travail semble s’opposer au mien. Thierry Martenon vit en montagne tandis que j’aspire à me rapprocher le plus possible des marais et du bord de mer. Il travaille le bois naturel, le bois brûlé ou patiné à l’encre noire tandis que je recherche l’harmonie des couleurs intenses. C’est un artiste qui dessine beaucoup et qui recherche la ligne, le relief, le volume, l’expression des ombres et des lumières sur la matière. Ma démarche est plus intuitive.

Pourtant je ressens des similitudes dans notre rapport au paysage. Il y a pour moi une grande complémentarité entre nos deux univers qui pourraient se valoriser l’un l’autre. Une collaboration à partir d’un même paysage inspirant ou d’une notion commune, la déclinaison des rythmes des œuvres de l’autre, pourrait s’avérer riche en surprises et en découvertes.