© Galerie Phantom / David Bailey Ross
Pouvez-vous nous parler de votre parcours et de la manière dont vous avez débuté dans l’art contemporain ?
Il m’a fallu longtemps pour me reconnaître en tant qu’artiste. J’ai toujours été créatif, mais sans aucune exposition aux artistes ni idée claire de comment poursuivre une carrière artistique. Quand j’étais plus jeune, cela ne semblait pas être une option.
J’ai grandi dans une petite ville industrielle du centre de l’Écosse et je suis arrivé à Londres en 1998 pour étudier la mode féminine à Central Saint Martins. J’ai choisi d’étudier la mode car, à l’époque, cela me paraissait être un secteur très excitant et créatif. J’aimais l’aspect multifacette de la mode. Il n’y avait pas seulement l’art de concevoir et de fabriquer, mais cela touchait aussi à la photographie, au cinéma, à la musique avec de nombreuses connexions culturelles.
Après avoir obtenu mon diplôme, je me suis rendu compte que la voie conventionnelle, travailler dans un studio de design d’une maison de luxe, ne m’attirait pas. J’ai donc commencé à accepter des petits jobs de graphisme pour des amis qui dirigeaient un label de musique et organisaient des soirées à Glasgow. Cela impliquait de créer des affiches et des visuels pour des disques de house, techno et disco. Avec le temps, cela s’est élargi à la création d’univers de marque et de concepts d’albums. Le plus grand succès du label fut un album appelé Destroy Rock & Roll de Mylo, un artiste de l’île de Skye. J’étais profondément impliqué dans ce projet au point de partir en tournée avec le groupe pendant presque 2 ans, en fournissant des visuels pour les performances.
Après la tournée, j’ai continué à travailler dans le milieu de la musique jusqu’à ce que mes amis Christopher et Tammy lancent leur marque, Christopher Kane. Ils m’ont d’abord invité à créer un arrière-plan vidéo pour un événement et à aider avec la musique pour leurs défilés. Et cela s’est rapidement élargi. J’ai commencé à concevoir les graphismes de la marque, les dessins textiles, et finalement, je suis devenu directeur artistique, travaillant en étroite collaboration avec les directeurs créatifs pendant presque 15 ans.
© Galerie Phantom / David Bailey Ross
C’est donc plus récemment que vous vous êtes vraiment consacré à votre propre démarche artistique?
Oui, c’est en 2019 que j’ai enfin franchi le pas. J’ai loué un petit studio, sanssavoir exactement ce que je voulais créer, mais en ressentant un fort besoin de faire quelque chose de personnel. Quelque chose qui ne soit pas lié à la vente d’un produit. J’ai commencé à peindre, d’abord des œuvres abstraites, mais au fil du temps les têtes ont commencé à émerger, presque inconsciemment.La pandémie de 2020 m’a donné le temps de réfléchir à ce que je voulais faire par la suite, ce qui m’a conduit à publier mon travail sur Instagram. Je travaille toujours seul et je ne me sens pas connecté au monde de l’art contemporain. Mon parcours professionnel m’apporte des perspectives précieuses, mais je sens que ce voyage commence tout juste pour moi, et qu’il y a encore beaucoup à apprendre et à développer en tant qu’artiste.
© Galerie Phantom / David Bailey Ross
Justement, vous dites que HEAD n’est pas une galerie de portraits, mais une exploration de la psyché humaine. Pouvez-vous nous en dire plus?
Plutôt que de transmettre un message unique et global, je préfère laisser mon travail ouvert à l’interprétation. La série HEAD invite à la réflexion, et je suis bien plus intéressé par la manière dont les autres perçoivent les œuvres que d’imposer un concept rigide. Dire que c’est une exploration de la psyché humaine me semble approprié car le travail touche à des thèmes tels que l’identité, la perception et les dialogues internes que nous vivons tous. Une grande partie de mon travail est nourri par le flux d’images qui nous écrase quotidiennement à travers la publicité et les réseaux sociaux. Ce qui m’intéresse, c’est la tension entre la façon dont nous nous voyons et les versions souvent déformées ou idéalisées de nous qui sont projetées.
Vous avez été directeur artistique et designer pour divers projets. Pouvez-vous nous parler de ces expériences et des connections entre l’art et la mode?
L’un de mes rôles chez Christopher Kane consistait à créer les bandes son pour les défilés. J’ai collaboré avec mon partenaire en production musicale, Simon Halsberghe, pour produire la musique de chaque défilé et événement, ce qui représente environ 30 défilés de mode sur 15 ans. Bien que travailler sous des délais serrés ait été un défi, cela a toujours été très gratifiant. En regardant l’archive créée pour ces défilés, je ressens une grande fierté, tant pour le travail lui-même que pour le fait d’avoir soutenu cette collaboration créative pendant tant d’années.
Sur un plan créatif, je pense qu’il existe une forte connexion entre l’art contemporain et la mode. Les deux reflètent l’époque dans laquelle nous vivons. Il peut y avoir des idées culturelles, sociales et esthétiques similaires. Et dans une certaine mesure, je pense qu’ils se nourrissent l’un de l’autre. À Central Saint Martins, la mode était enseignée selon une approche des beaux-arts. Nous étions encouragés à critiquer, expérimenter, développer un point de vue unique et à présenter notre travail de manière conceptuelle. Comme beaucoup de créatifs dans le milieu de la mode, on peut ressentir un conflit avec le côté commercial des choses. Le terme mode couvre une industrie très vaste, et seule une petite portion de celle-ci est appréciée comme forme d’art. Je pense que les collaborations, quand elles sont bien faites, peuvent être bénéfiques pour les deux parties, en introduisant les artistes à un nouveau public et en ouvrant des conversations autour de leur travail.
© Galerie Phantom / David Bailey Ross
Récemment, vous avez créé une série d’œuvres pour Madonna, qui ont été projetées sur scène lors de sa dernière tournée aux millions de spectateurs. Cela doit être une expérience exceptionnelle?
Je n’avais jamais envisagé de créer des portraits. Au début, j’ai reçu de nombreuses demandes de musiciens et d’artistes pour des commandes et je les ai toutes refusées. Mais quand l’équipe de Madonna m’a approché, je n’ai pas pu dire non.
Sa musique a été une part tellement importante de mon enfance… Vogue a été le premier disque que j’ai acheté quand j’avais seulement 10 ans.
Ce fut une magnifique expérience. L’équipe de Madonna, et Lewis James, le directeur créatif du show, a été fantastique. Travailler avec eux s’est toujours fait en mode collaboratif. Au début du projet, j’ai eu l’occasion de rencontrer Madonna chez elle à Londres. Elle a été décontractée et perspicace à propos de mon travail. Je lui ai expliqué que mon processus laissait certaines choses au hasard.
Cela signifiait que je ne pouvais pas toujours garantir une forte ressemblance, et que je ne pouvais pas promettre que les résultats seraient flatteurs. Cela ne semblait pas la déranger. Elle m’a donné la liberté créative de produire les versions étranges et Madonnesques de son image qui ont finalement été utilisées dans le show.
Voir mon travail projeté à une échelle aussi massive, avec des millions de personnes qui y ont interagi, a été une expérience surréaliste que je suis encore en train de digérer.
Votre esthétique évoque parfois des mondes avec des identités musicales fortes. Si votre collection de portraits était une chanson, laquelle serait-ce et pourquoi?
Oui, la musique a toujours eu une grande influence sur mon travail. Elle est une source constante d’inspiration et m’aide à traduire mes humeurs et mes idées en images.
Les sous-cultures comme le punk et le BDSM m’intéressent parce qu’elles sont très expressives visuellement. Ce sont des extrêmes d’identité et de rébellion qui résonnent avec ce que je fais. Et si mon travail actuel était une chanson, ce serait probablement People Are Strange de The Doors.
© Galerie Phantom / David Bailey Ross
Maintenant que nous nous connaissons un peu mieux, pouvez-vous nous dire quelques mots sur Opale Art?
Le monde de l’art est souvent élitiste et inaccessible et toute initiative visant à l’ouvrir à un public plus large est positive. Je pense qu’en mettant en avant les artistes émergents et en offrant une plateforme à ceux qui n’ont pas encore les moyens ou les connexions pour se promouvoir, Opale Art peut faire une grande différence. Personnellement, lire sur les processus et les expériences des autres artistes a toujours été l’un des moyens les plus utiles pour percer certains des mystères de la vie d’artiste.
Merci David pour cette interview! Pour conclure, pourriez-vous recommander un artiste ou un endroit à Londres qui vous tient à cœur?
Merci à vous, ça a été un plaisir ! Je vis à East London, qui regorge de galeries et d’espaces créatifs. Guts Gallery, Project Native Informant et Approach Gallery qui est située au-dessus de mon pub préféré… sont quelques-unes de celles que j’aime visiter. Quant aux artistes, j’ai récemment vu des sculptures figuratives en céramique de taille réelle de Becky Tucker. Je les ai trouvées incroyables !
© Opale Art
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