Volt In Holt, la foudre comme médium

Au cours d’une de nos conversations, Dominik a mentionné une ancienne méthode d’enregistrement de décharges électriques sur des plaques sèches. Les scientifiques de la fin du XIXe et du début du XXe siècle utilisaient cette technique pour étudier les motifs tracés par les décharges et analyser leurs caractéristiques. Elle n’était cependant pas destinée à des fins artistiques.

Par curiosité, nous avons voulu recréer ce processus dans notre propre atelier. Le sujet n’avait pas été abordé depuis un moment, mais Paulina a suggéré que nous réalisions l’expérience comme une façon unique de fêter son anniversaire. Tout était presque prêt : Dominik possédait déjà un générateur haute tension qu’il utilisait pour divers projets et n’avait qu’à l’adapter à cet usage. Nous avons invité un ami à nous rejoindre dans la chambre noire pour la session. Lorsque nous avons regardé les motifs fractals émerger sur le papier photosensible sous nos yeux, c’était presque transcendant — un moment d’éveil. Cette expérience a suscité l’envie d’explorer davantage. Nous avons eu une autre rencontre à trois, puis nous avons commencé à travailler en duo. Après notre première exposition en 2022, nous avons réalisé que c’était « quelque chose », et nous n’étions pas seuls dans notre perception des œuvres que nous créions. Nous avons commencé à l’aborder de manière plus consciente — comment coopérer avec l’électricité, comment obtenir des compositions plus intentionnelles, et comment combiner la conscience avec l’expérimentation. Chaque année, le 11 novembre, nous célébrons un double anniversaire : celui de Paulina et la naissance de notre art. Nous marquons l’occasion par une petite rétrospective, en parcourant nos œuvres pour retracer leur évolution progressive et la direction de notre croissance.

Si nous ne pouvions garder qu’une seule de nos œuvres, ce serait « δ-5-6-513 ». Cette pièce contient tout ce que nous cherchons à exprimer à travers l’art. Elle est simplement complète. Aujourd’hui, nous l’associons au fait que sa reproduction sur une plaque de nickel sera envoyée dans l’espace (archivage permanent grâce à la technologie NanoFiche dans la charge utile lunaire AstroGLPH, destinée à voyager vers la Lune en 2026 dans le cadre de la mission du module d’atterrissage Griffin-1). C’est quelque chose qui perdurera après nous pendant des millions d’années dans l’espace.

Cependant, il ne s’agit pas uniquement d’une reconnaissance extérieure. Cette œuvre a sa propre dimension, sa propre histoire personnelle. Au cours du processus de création, nous pensions que la composition ne se déroulerait pas comme nous l’espérions. Lorsque nous transférions la pièce de la solution de développement au fixateur, nous n’avions aucune foi en la possibilité de voir quoi que ce soit d’intéressant. Quand nous avons allumé la lumière, quelque chose est apparu devant nos yeux qui nous a laissés stupéfaits. Cette expérience nous a appris que même la plus grande obscurité peut dissimuler de la lumière.

Si notre art avait un super-pouvoir, ce serait la capacité de révéler une image du futur. Nous pensons que ce serait une valeur qui nous permettrait de regarder au cœur de la structure profonde de notre réalité. Comme dans les films, nous pourrions entrevoir clairement des événements à venir — acquérant ainsi le pouvoir de prévenir des catastrophes, qu’elles soient à l’échelle personnelle ou mondiale. Pourtant, peut-être verrions-nous une image floue, la somme de tous les développements possibles des événements ? Ou peut-être nous montrerait-elle simplement ce qui découle de notre volonté profonde ? Ou quelque chose d’entièrement différent que nous ne pouvons même pas imaginer. C’est une énigme fascinante.

Parmi les artistes visuels, nous nommerions sans hésiter Władysław Hasior. Je (Paulina) me souviens avoir vu son exposition pour la première fois enfant, à la Galerie Władysław Hasior de Zakopane. C’était encore l’ère des appareils photo compacts portables, et la photographie au flash était interdite dans de tels endroits. Ainsi, même si je n’avais aucun moyen de revisiter les œuvres ensuite à travers des photos, elles sont restées dans ma mémoire jusqu’à aujourd’hui. Vous pouvez imaginer à quel point l’impact de ses assemblages audacieux et surréalistes devait être puissant — ces immenses bannières « semblables à des oiseaux » vous regardant de haut, ou la poussette remplie de sable avec des bougies et des croix à l’intérieur (« Paysage Noir »). Nous croyons que combiner différents domaines visuels pourrait conduire à un concept nouveau, nous inspirant mutuellement à explorer de nouveaux territoires. Cela semble particulièrement pertinent maintenant, alors que nous avons commencé à expérimenter avec des surfaces inégales et texturées en 3D (comme la toile imprégnée de résine) et des objets (notre œuvre « ETNA-1-100-5400 »). Si Hasior était vivant et, bien sûr, disposé à collaborer avec nous, il pourrait apporter la forme ; nous contribuerions avec les textures et les détails, et nous pourrions même lui fournir des composants électriques à réutiliser à des fins d’assemblage.

Quant aux musiciens connus, nous avons pensé à David Bowie, mais plus largement comme personnalité. Nous nous souvenons d’avoir regardé « Moonage Daydream », le documentaire où il parlait de la façon dont sortir de sa zone de confort le nourrissait ; chaque fois qu’il sentait qu’il s’installait trop confortablement, il changeait son environnement pour éviter de nicher dans cette zone de confort. Bien que nous ne menions pas une vie aussi agitée, il y a encore beaucoup de ce « voyage » dans notre approche artistique — créant souvent malgré des conditions défavorables, avec l’état d’esprit : avancer quoi qu’il arrive. Nous ne remettons pas les choses à des temps meilleurs, car des temps meilleurs pourraient ne jamais venir. Et c’est alors que nous obtenons les meilleurs résultats. L’attitude de Bowie, combinée à sa compréhension large des arts visuels, nous amène à penser qu’il aurait eu des idées sur la façon de développer cela et les directions à explorer. Parmi les réalisateurs, nous apprécions Panos Cosmatos. Nous imaginons connecter l’esthétique de « Beyond the Black Rainbow » avec des visualisations de décharges électriques pulsant et se dilatant lentement, sur la bande-son synth science-fiction du film, sous forme d’un court métrage ou d’une animation. Nos pièces dérivent vers d’autres galaxies inconnues, en correspondance avec la musique de Sinoia Caves. Nous aimerions aussi nous aventurer dans quelque chose d’audiovisuel. L’idée de tirer notre art vers une dimension dynamique est tentante, à l’instar de ce que font MNCLR ou Grand River, ou peut-être en utilisant une méthode totalement analogique basée sur des miroirs infinis pour créer une installation hypnotique et immersive.